لوحات تشكيلية من عبق التاريخ

بورتريـه الشـاعـرة آنـّا أخمـاتـوفـا
للفنان الـروسي ناثـان آلتـمـان
ولد ناثان آلتمان في اوكرانيا سنة 1889 ودرس الفن في اوديسا قبل أن يغادر إلى باريس في العام 1910.
في باريس اتّصل آلتمان بشاغال وبيكاسو وشتيرينبيرغ قبل أن يعود بعد ذلك بعامين إلى سينت بترسبيرغ.
لوحته عن الشاعرة الروسية الكبيرة آنا أخماتوفا تعتبر اشهر أعماله على الإطلاق، كما أن اللوحة تعتبر بلا شك أحد اشهر الأعمال الفنية العالمية.
في
هذه اللوحة ثمّة مسحة من التأمّل والغموض، والشاعرة تبدو هنا جالسة على
أريكة ومرتدية فستانا ازرق بينما لفّت حول ذراعيها وشاحا اصفر. هنا يلاحظ
بوضوح غلبة اللونين الأزرق والأخضر وظلالهما على معظم مساحة اللوحة ومن
الواضح أيضا أن الفنان استخدم في رسمه للوحة أسلوبا يقترب كثيرا من
التكعيبية.
آنا اخماتوفا هي أحد الأسماء الكبيرة في الشعر الروسي
المعاصر وقد اشتهرت بأشعارها التي يغلب عليها الطابع الذاتي والموسيقيّ
أسوة بالشاعر الكبير بوشكين.
تزوّجت
الشاعرة اخماتوفا من الشاعر نيكولاي غوميليف في العام 1910، وتصدّت بشجاعة
لستالين وهاجمته بضراوة، الأمر الذي دفع النظام آنذاك إلى سجنها سبعة عشر
عاما، بعد أن اتّهمها بـ “الترويج للانحلال البورجوازي والانشغال بالأمور
التافهة كالحديث عن الله والحب”.
عالجت اخماتوفا في شعرها مواضيع متعدّدة مثل الزمن والذاكرة والحب المأساوي والأنوثة والمرأة المبدعة ومصاعب العيش والكتابة في ظل الستالينية.
وفي مراحل لاحقة أضافت إلى شعرها موتيفات دينية ووطنية.
في
العام 1921 أعدمت السلطات زوجها بعد اتهامه بالضلوع في مؤامرة لقلب
النظام. ولم تلبث السلطة أن اعتقلت ابنها الوحيد ونفته إلى سيبيريا. بعد
تلك الأحداث أصبحت اخماتوفا أسيرة للحزن والعزلة والصمت، وعانت من إقصاء
وتجاهل زملائها من الشعراء والأدباء الروس.
وفي 1946 هاجمها الحزب
الشيوعي بعنف واتّهمها بتسخير شعرها للترويج للإباحية والتصوّف واللامبالاة
السياسية، الأمر الذي أدّى إلى طردها من اتحاد الكتاب السوفيات.
في ما بعد، أنجزت اخماتوفا ترجمات لاشعار فيكتور هوغو و رابندرانات تاغور، ونالت جائزة إيطاليا للشعر العالمي كما حصلت على درجة دكتوراه فخرية من جامعة اكسفورد.
بعد
وفاتها نمت شهرتها اكثر وُترجمت أشعارها إلى معظم اللغات الحية، واعتبرت
إحدى اعظم الشاعرات في العالم. ومنذ سنوات أعيد لها الاعتبار في بلدها
روسيا وُسمح بإعادة طبع ونشر أعمالها الشعرية الكاملة.
بالإضافة إلى
بورتريه الشاعرة اخماتوفا، رسم ناثان آلتمان مناظر للطبيعة حاول فيها بعث
تقاليد الانطباعيين كما أنجز رسوما توضيحية لبعض روايات غوغول.
عندما
عاد إلى روسيا في العام 1935 وجد آلتمان نفسه يعيش في أجواء سياسية
وأيديولوجية صارمة تتّسم بالضغوط والقهر. وأدرك أن رسوماته، الطليعية
والتجديدية، بعيدة جدّا عن معايير الواقعية النقدية التي فرضها الحزب
الشيوعي على الأدباء والفنانين، فشغل نفسه بالمسرح حيث اشرف على تصميم
مشاهد وأزياء مسرحيات شكسبير وسواه من الكتاب المسرحيين.
لوحة حانة في فولي بيرجر للرسام الفرنسي مانيه


حانـة فـي الــ فولـي بيـرجيـر
للفنان الفـرنسـي ادوارد مـانـيــه

رسم ادوارد مانيه
هذه اللوحة قبل سنة من وفاته. ورغم مرور أكثر من مائة عام على ظهورها، ما
يزال يُنظر إليها باعتبارها واحدة من أكثر اللوحات إثارة وغموضا في تاريخ
الفنّ التشكيلي العالمي.
كان مانيه معجبا كثيرا بأسلوب دييغو فيلاسكيز،
ولطالما عبّر عن افتتانه بالألغاز البصرية المعقّدة التي ضمّنها الرسّام
الاسباني الأشهر لوحته الذائعة الصيت وصيفات الشرف .
لكن
يبدو النقاد منقسمين بشدّة حول مضمون هذه اللوحة وقيمتها الإبداعية. بعضهم
يرى أنها خالية من أي معنى كما أنها لا تنطوي على أيّ إبداع حقيقي من وجهة
النظر الأكاديمية البحتة.
لكنّ نقادا آخرين يرون أن اللوحة نتاج عقلية
فذّة ومقدرة فنية فائقة على استخدام اللغة البصرية للمزاوجة بين الواقع
الملموس والعالم المجرّد.
المكان الذي تقدّمه اللوحة هو الفولي بيرجير،
وهو عبارة عن صالة باريسية شهيرة توفّر لروّادها ضروبا من اللهو والتسلية
المختلفة وتقدّم فيها المشروبات وتعزف الموسيقى وتقام فيها العروض والألعاب
البهلوانية.
في اللوحة نرى فتاة تقف وسط الحانة وأمامها صفّ من الفواكه والزهور وزجاجات النبيذ والشمبانيا.
لكن عنصر الغموض الأساسي في اللوحة يتمثل في الحاجز الزجاجي الكائن خلف الفتاة.
الزجاج
يفترض أنه يعكس الأشياء والموجودات التي أمامه. غير أننا نرى فيه عالما
آخر لا علاقة له بما هو موجود في مقدّمة اللوحة من عناصر وأشياء واقعية.
وأهمّ ما يمكن رؤيته منعكسا على الزجاج هو المرأة التي ترتدي القفّازات وتتبادل حديثا على الواقف مع رجل يبدو انه صديق أو زبون ما.
وقد عُرف عن هذا المكان تنوّع الخدمات التي من المفترض أن تقدّمها فتيات الحانة لبعض الزبائن من أصحاب الاحتياجات الخاصّة.
وما
من شكّ في أن مانيه عندما رسم هذه اللوحة كان في ذهنه لوحة فيلاسكيز
بأحاجيها البصرية وغموضها المثير. وربّما أراد مانيه هو الآخر التأكيد على
فكرة أن بعض ما نراه في الواقع من أشياء وصور ومظاهر لا تعدو كونها أمورا
تجريدية لا توجد إلا في المرايا. وهذا يستتبع أن يتحوّل المتلقي نفسه إلى
حضور شبحي أو متخيّل لا يختلف عن الحشد الذي تنظر إليه الفتاة.
وفكرة
مزج الواقعي بالمجرّد في الأدب والفنّ فكرة ليست بالجديدة، وهي تستند إلى
افتراض مؤدّاه أن كلّ إنسان يرى الحياة بحسب فهمه وإدراكه، وأن عالم الواقع
برغم غناه بالصور والرموز فإنه قاصر عن رؤية ما يختفي تحت سطح الأشياء
والمظاهر.
كما تفترض الفكرة أن كلّ ما نعتقد انه واقع ملموس يخفي وراءه
وجودا مجرّدا، وبذا يصبح من الضروري إعادة فحص الواقع وتمحيصه للتحرّر من
قيوده ونواقصه ولاكتشاف امتداداته المجرّدة.
أحد التفسيرات الكثيرة التي
أعطيت لهذه اللوحة هو أن الفتاة غير سعيدة بمهنتها لأنها تشعر أنها غريبة
عن عالمها الصغير. وممّا يدعم هذه الفرضية حقيقة أن الفتاة هي الشخص الوحيد
الذي لا تظهر صورته منعكسة في المرآة.
والزجاج يقوم هنا بدور الحاجز
الذي يفصلها عن محيطها الذي هو عبارة عن غابة من المرايا التي تعكس صورا
لأفراد منهمكين في تبادل الحديث والعناق وربّما الكذب والزيف.
قد يكون
في ذهن مانيه عندما رسم هذه اللوحة أن الإنسان مهتم بطبعه بالتفاصيل
الظاهرة والملموسة لان هذا يسهلّ عليه تفسيرها والبحث عن أسبابها من اجل
فهمها والسيطرة عليها.
لذا فإن المزاوجة بين الواقع والمجرّد قد يكون
أداة فعّالة تسمح للفنّان أو المبدع بتجاوز الإدراك النمطي والتفسير الحرفي
والمباشر للأشياء والظواهر وتنقله إلى فضاء أوسع يستثار فيه العقل ويحفّز
الشعور للنفاذ إلى كنه الأشياء وعوالمها الجوّانية.
وهذا لا يتأتّى إلا من خلال هذه المزاوجة التي تنحّي جانبا أية أفكار أو تصوّرات مسبقة وتمنح المجرّد وجودا ذاتيا وخاصّا.
وأيّا
ما كانت التفسيرات التي أعطيت للوحة مانيه هذه، فإنها تظلّ إحدى العلامات
الفارقة في تاريخ الرسم العالمي سواءً بغرابة مضمونها أو بالأسلوب الثوري
الذي أنجزت به أو الجدل الذي أثارته وما زالت تثيره.

[/b]

لوحة الراعي الأجير للرسام الإنجليزي وليام هانت

[b]

الراعـي الأجيـر
للفنان البريطاني وليام هولمان هانت
لا
يمكن أن نفهم مغزى هذه اللوحة دون العودة إلى الوراء، وبالتحديد إلى منتصف
القرن التاسع عشر، وهي الفترة التي شهدت انجلترا خلالها بعض التحوّلات على
المستويين الديني والاجتماعي.
لكن لا بدّ في البداية من قراءة سريعة وأوّلية في المشهد الذي تقدّمه اللوحة.
هنا
نرى منظرا نموذجيا للطبيعة الريفية هو عبارة عن مرعى يضمّ أعدادا من
الماشية والأشجار. وعلى أرض المرعى يجلس شابّ وفتاة على العشب.
من
الواضح من هيئة الشابّ أنه هو الراعي الذي أوكلت إليه مهمّة الاهتمام
بالقطيع. لكنه يبدو غير مكترث كثيرا بالغنم لان هناك ما يشغله ويثير
اهتمامه أكثر. إنها الفتاة الجميلة التي تبدو عليها علامات الدلال والتمنّع
برغم ما يبديه الراعي نحوها من مشاعر الخضوع والتودّد.
التفاصيل في
اللوحة واضح أنها رسمت بطريقة دقيقة جدّا تجعلها اقرب ما تكون إلى الصورة
الفوتوغرافية. يكفي أن نتمعّن في الأسلوب المرهف الذي استخدمه الرسّام في
تمثيل الأغصان وأوراق الشجر والأزهار لندرك مدى براعته وإتقانه.
في العديد من لوحات وليام هولمان هانت حضور دائم ومتكرّر للخرفان والقطيع. فبعد هذه اللوحة بسنة رسم الفنان لوحة أخرى أسماها الخراف الضالة
، وفيها تظهر مجموعة من الخراف وهي تخطو على أطراف منطقة جبلية وعرة فيما
يوشك بعضها على السقوط من فوق الحافّة باتجاه الهاوية. ومن الملاحظ في هذه
اللوحة الأخيرة أن القطيع ترك لوحده، إذ ليس هناك أثر للراعي الذي يفترض
أنه يوجّه الغنم كي يجنّبها الوقوع في الأخطار ويوفّر لها الحماية.
التسلسل
الزمني الذي رسمت به اللوحتان يشير إلى المعنى الرمزي الذي قصده الفنان.
في اللوحة الأولى كان الراعي حاضرا بجسده لكنه أهمل واجباته الأصلية لأن
عقله كان في مكان آخر. وفي الثانية اختفى الراعي تماما من اللوحة وأصبح
القطيع وجها لوجه أمام خطر محدق.
في ذلك الوقت، أي زمن وليام هانت، كانت
انجلترا تشهد نقاشا نظريا حاميا بين الكنيسة الانجليزية والجماعات
الانغليكانية. وكان رجال الدين هدفا للوم والانتقاد لفشلهم في توجيه
أتباعهم وتبصيرهم بأسس ومبادئ الأخلاق المسيحية.
كما ساد اعتقاد آنذاك
بأن البلاد غير محصّنة ولا موحّدة بما يكفي لصدّ غزو كان يقال بأن نابليون
بونابرت على وشك أن يقوم به لأراضي انجلترا.
إذن فاللوحتان تتحدّثان عن
بشر لا عن خراف، وعن رعاة بالمعنى المجازي للكلمة، وهم القساوسة والرهبان
الذين يرى الفنان أنهم تقاعسوا عن أداء واجباتهم وتركوا الرعيّة دون دليل
أو مرشد.
وبالنتيجة فإن هذه اللوحة، واللوحة الأخرى، مكمّلتان لبعضهما
البعض ويمكن أن تفسّرا على مستويين: الأوّل عاطفي يروق للناس العاديين.
والثاني تأمّلي يناسب النخب الفكرية والطبقة المثقفة.
الجدير بالذكر أن
الفكرة الرمزية للراعي ظهرت أوّل ما ظهرت في مقطع شعري من مسرحية الملك لير
يصوّر فيه شكسبير راعيا أهمل واجباته تجاه الرعيّة وشغل نفسه بأمور ليست
لها قيمة أو أهمّية من منظور المجتمع والدين.
كان وليام هانت إنسانا متديّنا وميّالا للفضيلة والأخلاق، تشهد على ذلك إحدى أشهر لوحاته المسمّاة يقظة الضمير .
وقد ُعرف عنه التزامه الصارم بتقاليد الرسم ما قبل الرافائيلي، وكان صديقا حميما لكل من جون ايفريت ميليه و دانتي غابرييل روزيتي .
وفي
بعض مراحل حياته قاده حبّ المعرفة والاكتشاف إلى فلسطين التي زارها عدّة
مرّات بحثا عن مواضيع دينية للوحاته. وعلى إثر إحدى زياراته إلى هناك،
عاودت الخرفان الظهور في لوحة أخرى من لوحاته اسماها كبش الفداء استلهم موضوعها من إحدى الأساطير التوراتية.
ديسمبر 17, 2009 بواسطة khatab38
اللوحة الفنية الشهيرة مدرسة أثينا للفنان الإيطالي العالمي روفائيل


مـدرسـة أثـيــنا
للفنّـان الإيطـالي رافـائيــللوحة أخرى يعتبرها الكثير من النقّاد واحدةً من التحف الفنّية العالمية.
وقد
ولدت فكرة هذا العمل عندما أوعز البابا يوليوس الثاني إلى الفنّان رافائيل
برسم لوحة تكون محفّزا للنقاش الفكري ورمزا لأهميّة الثقافة، لكي يعلّقها
البابا في مكتبته الخاصة.
واللوحة تصوّر ما ُيفترض أنه ندوة فكرية جرت أحداثها في مدرسة أثينا باليونان القديمة حوالي سنة 380 قبل الميلاد.
رافائيل
حاول أن يجعل اللوحة تجسيدا للحقيقة المكتسبة من خلال العقل، وهو لم يختر
للوحة شخصيات مجازية أو أسطورية كما درج على ذلك الفنّانون في زمانه، بل
فضّل أن تضمّ اللوحة شخصيات حقيقية لمفكّرين وفلاسفة مشهورين وضعهم داخل
إطار معماري كلاسيكي تتّسم تفاصيله بالفخامة والمهابة والجلال.
وكل الشخصيات التي صوّرها رافائيل في “مدرسة أثينا” تشكّل اليوم ركائز ودعامات مهمّة في الفكر الغربي المعاصر.
وبفضل قدرته الوصفية الفائقة، عمد الفنان إلى توزيع الشخصيات على مساحة اللوحة بشكل متساو.
فليس هناك رمز معيّن يلتفّ حوله الباقون ويحيطونه بعلامات الاحترام والتبجيل.
بل الجميع هنا متساوون وهم منشغلون، بلا استثناء، بالحركة الدائبة والتفاعل وتبادل النقاش في ما بينهم.
في هذا العمل جمع رافائيل ممثّلين لكافّة فروع المعرفة من هندسة ورياضيات وفلك وأدب وموسيقى وفلسفة وخلافه.
واختار كلا من أفلاطون وأرسطو، اللذين يظهران في وسط المشهد وهما منهمكان في الحوار، ليكونا محكّمين للنقاشات في الندوة.
في
مقدّمة اللوحة الى اليمين نرى اقليدس وهو يشرح نظريّته لتلاميذه، وفوقه
مباشرة يظهر زرادشت ممسكا بكرة أرضيّة مجسّمة، بينما يبدو ديوجين في الوسط
متمدّدا على الدرج.
وإلى اليسار وغير بعيد عن ديوجين يظهر هيراكليتوس الفيلسوف المتشائم مستندا إلى قالب من الرخام ومسجّلا ملاحظاته على الورق.
وهيراكليتوس
هنا يأخذ ملامح مايكل انجيلو، وهي إشارة أراد رافائيل من ورائها تكريم
انجيلو والإشادة بعمله الذي كان قد أنجزه للتوّ في سقف كنيسة سيستين.
ولم ينس رافائيل أن يرسم نفسه أيضا إذ يبدو واقفا في أقصى يمين اللوحة وقد اعتمر قبّعة سوداء.
وإلى اليسار يظهر فيثاغوراس وهو يدوّن ملاحظاته في كرّاس، وغير بعيد منه نرى بن رشد وهو ينصت باهتمام إلى ما يجري.
وفوق
قليلا تظهر امرأة يقال إنها هيباشيا وهي أشهر شاعرة وخطيبة وفلكية وعالمة
رياضيات من النساء، وقد برز اسمها وذاعت شهرتها زمن مكتبة الاسكندرية.
في اللوحة أيضا يظهر سقراط وزينوفون وابيكوروس “أو ابيقور بالعربية” وبطليموس وسواهم.
فور
إتمام رافائيل “مدرسة أثينا” حقّقت اللوحة نجاحا مدوّيا وقوبلت بحماس
بالغ. وأصبحت منذ ذلك الحين صورة مجازية ترمز لحرّية الفكر وتقديس العقل
وأهمية الحوار.

اللوحة العالمية : منظر لقرية ديليفت للهولندي جوهان فيرمر


منظـر لـ ديـلـيـفـت
للفنان الهولنـدي يـوهـان فيـرميــر
لوحة
أخرى لـ فيرمير يعتبرها الكثير من النقاد ومؤرّخي الفن احد أفضل الأعمال
التشكيلية الغربية التي تصوّر طبيعة الحياة في مدينة بحرية.
بل أن الروائي الفرنسي مارسيل بروست يعتبرها أجمل لوحة وقعت عليها عيناه.
والمدينة التي اختارها فيرمير موضوعا لهذه اللوحة هي ديليفت ، مدينة الفنان التي ولد فيها وعاش وتوفّي.
وفي
العصور اللاحقة أصبح اسم هذه المدينة مرادفا لاسم هذا الفنان العظيم الذي
خلـّد في رسوماته الكثير من مظاهر الحياة اليومية فيها، ابتداءً من البيوت
ذات الديكورات الزخرفية المتوهّجة وانتهاءً بالوجـوه التي طالما أحبّها وألفها.
رسم فيرمير هذه اللوحة حوالي منتصف القرن السابع عشر، وهي الفترة التي شهدت ذروة ازدهار الفنون والثقافة في هولندا.
في
ذلك الوقت، كان فيرمير يعتبر ثاني أشهر رسّام هولندي بعد رمبراندت، وكان
رسم المدن تقليدا شائعا لدى عدد غير قليل من الرسّامين الهولنديين.
ومن
الواضح أن فيرمير بذل جهدا كبيرا في رسم اللوحة التي تشهد كل تفاصيلها
بقوّة ملاحظة الفنان وبراعته في الإمساك بتأثيرات الضوء والظل.
وهذا واضح من خلال طريقة تمثيل الغيم والانعكاسات المائية التي تضفي على المشهد إحساسا بالفورية والحيوية والتلقائية.
واللوحة
تزخر بالكثير من التفاصيل: بوّابتان إلى اليمين والوسط يتخللهما صفّ من
البيوت. هناك أيضا برجا الكنيستين القديمة والحديثة وبعض سفن الصيد الراسية
في مياه القنال. وفي الجزء الأمامي من اللوحة إلى اليسار، نرى عددا قليلا
من الرجال والنساء واقفين على الشاطئ.
جوّ اللوحة يعطي انطباعا بأن
فيرمير قد يكون رسم اللوحة في صباح يوم بارد. وتبدو الغيوم كما لو أنها
تنقشع ببطء بعد ليلة ممطرة، فيما الشمس ترسل وهجها اللامع على صفحة الماء
وأسطح البيوت الممتدّة على الشاطئ.
أكثر ما يلفت الانتباه في هذا المنظر
الأثيري البديع هو الأسلوب الواقعي الذي وظّفه فيرمير في رسمه. وربّما
لهذا السبب يعتبر بعض النقاد هذه اللوحة نموذجا ممتازا للوحة الوصفية التي
يمكن للإنسان أن يستمتع بالنظر إليها والتمعّن في جمالياتها دونما حاجة إلى
الكثير من الشرح أو التحليل.
وقد قيل في بعض الأوقات أن كثافة وعمق
الألوان في اللوحة والتأثيرات البصرية المبهرة التي استخدمت في رسمها تجعل
من عملية استنساخها أو تقليدها أمرا شبه مستحيل.
“منظر لـ ديليفت” ليست
مجرّد لوحة عن الحياة في مدينة بحرية وإنما يمكن اعتبارها معلما يجسّد روح
وشخصية هذه المدينة وسجّلا يؤرّخ لأسلوب وشكل الحياة الذي كان سائدا فيها
قبل أربعة قرون.
ممّا يجدر ذكره أن فيرمير مات فقيرا معدما، وبعد وفاته ضاع اسمه في غياهب النسيان، وطوال مائتي عام لم يعد احد يتذكّره بشيء.
وقد اضطرّت أرملته بعد وفاته لبيع لوحاته كي تعتاش من ثمنها.
لكن
مع حلول منتصف القرن التاسع عشر عاد اسمه إلى الواجهة مجدّدا. واليوم
يُنظر إلى فيرمير باعتباره احد أعظم الرسّامين، ليس في بلده هولندا فحسب
وإنما في العالم كله.




أرسلت فى فنون | أضف تعليق »

اللوحات

ديسمبر 17, 2009 بواسطة khatab38
الملكة نور جيهان للرسام الباكتستاني وسيم سرود

اللوحة العبقرية : راهبة الإسكندرية للرسام العالمي روفائيل


Raphael, Saint Catherine of Alexandria, 1507
كاثـرين .. راهبـة الإسكنـدريــة
للفنّـان الإيطـالي رافـائيــلكانت كاثرين تنحدر من عائلة من النبلاء، وقد رأت في المنام ذات ليلة أنها تزوجّت المسيح.
وكان الإمبراطور الروماني ماكسينتيوس يرغب في الزواج من المرأة، لكن كان عليه أوّلا أن يقنعها بترك المسيحية.
وعندما
فشل في مساعيه أرسل إليها خمسين فيلسوفا وعالما ليحاولوا استمالتها
وإقناعها بالنزول عند رأيه. غير أن المرأة تمكّنت من تحويل هؤلاء جميعا إلى
المسيحية، بحسب ما تذكره المصادر الإنجيلية.
قبض الإمبراطور على العلماء وحكم عليهم بالإعدام حرقا ثم أمر بأن تعذّب المرأة وذلك بأن تربط إلى عجلة ذات أضلاع مسنّنة.
لكن العجلة سرعان ما تدمّرت بفعل صاعقة رعدية ولم تصَب المرأة نفسها بأذى. لكن كاثرين أعدمت بعد ذلك بقطع رأسها بالسيف.
ولم
يمض وقت طويل حتى تحوّلت هذه المرأة إلى قدّيسة وأصبح لها أتباع ومريدون
كما شيّد لها في القرن السادس الميلادي دير يحمل اسمها على قمّة جبل طور
سيناء حيث يعتقد بأن الملائكة قامت بنقل رفاتها إلى هناك.
وقد امتدحها
الوعّاظ وتغنّى بها الشعراء في قصائدهم كما سمّيت الكثير من الكنائس على
اسمها، ولا تخلو كنيسة أو دير من تمثال أو أيقونة تصوّرها.
تم تمثيل
كاثرين راهبة الاسكندرية في العديد من اللوحات والتماثيل الفنية وكان يظهر
إلى جوارها عجلة أو سيف، أو خاتم يرمز إلى واقعة زواجها الغامض من المسيح.
وأحيانا ما تصوّر وهي تمسك بكتاب أو تضع على رأسها تاجا في إشارة إلى خلفيّتها الملوكية.
في اللوحة يتّضح مدى تأثّر رافائيل بأسلوب ليوناردو دافنشي الذي كان بارعا في تصوير وضعية الوقوف مع انثناء الجسد بطريقة لا تخلو من المهابة والجلال.
والمرأة
تبدو هنا وهي تسند جنبها الأيسر إلى رمزها “العجلة” بينما أراحت يدها
اليمنى على صدرها وأرسلت عينيها باتجاه السماء البعيدة المغمورة بالضياء.
ومن
الواضح أن المنظر الطبيعي الذي يبدو في خلفية المشهد قد نفّذ بكثير من
البراعة والإتقان وهو يذكّر إلى حدّ كبير بمناظر دافنشي ذات الطبيعة
الحالمة والفانتازية.
ومن السّمات الأخرى في اللوحة غنى المشهد بالحركة المتناغمة للألوان. ويبدو أن رافائيل
لم يكن يركّز كثيرا على إثارة الانفعالات حول الموضوع بل كان يحاول بلوغ
أفضل توازن للألوان والتعابير والعناصر الجمالية الأخرى في اللوحة.
يقول
بعض المؤرخين إن كاثرين (ومعنى الاسم: المرأة الطاهرة) قد تكون مجرّد
شخصية خيالية اخترعتها مخيّلة الناس مدفوعين برغبتهم في أن يتمثلوا نموذجا
بشريا يجسّد معاني التضحية والطهر والثبات على المبدأ.
وبعض الفلاسفة
يعتبرون سينت كاثرين النموذج المناظر في العقلية القروسطية لـ “هيباشيا”
الفيلسوفة والعالمة الوثنية الشهيرة التي عاشت هي أيضا في الاسكندرية في
ذلك الوقت ولاقت نفس مصير كاثرين العاثر عندما قام بذبحها وتمزيق جسدها
غوغاء مسيحيّون غاضبون بعد اتهامها بالهرطقة.
ومثل هيباشيا، يقال إن
كاثرين كانت امرأة مثقّفة في الفلسفة واللاهوت وكانت تتمتّع بجمال أخّاذ
وقد أعدمت بوحشية لأنها جاهرت بما تؤمن به.
في العام 1969 أزالت الكنيسة الكاثوليكية الرومانية اسم كاثرين من قائمة القدّيسين على أساس عدم كفاية الأدلة التي تؤكّد وجودها.
لكن قبل خمس سنوات وإذعانا لضغوط واحتجاجات المؤمنين من أنصارها، اضطرّت سلطات الفاتيكان إلى إعادة إدراج اسمها في تلك القائمة.



إنعكـاس، بورتـريه شخـصـي
للفنان البريطاني لـوسيـان فـرويـد
بعض
النقاد يعتبرون لوسيان فرويد أعظم الرسّامين البريطانيين الأحياء. وفرويد
ينحدر من عائلة ألمانية يهودية عريقة. فجدّه هو الطبيب وعالم النفس الشهير
سيغموند فرويد. ووالدته تنتمي إلى أسرة من التجّار وأرباب الأعمال.
ولد
فرويد في برلين عام 1922م. وعندما جاء هتلر إلى الحكم أصبحت أوضاع اليهود
في ألمانيا لا تطاق. فقرّرت العائلة الهجرة إلى بريطانيا والإقامة فيها
نهائيا.
وأعمال لوسيان فرويد تكتسب أهمّية خاصّة لأنها مرتبطة بزمن
الحرب وبتبعات الحقبة النازية. ولوحاته تمتليء بصور لرجال ونساء عراة في
مواقف وأوضاع شتّى.
وقد قيل في إحدى المرّات أنه بقدر ما كان سيغموند
فرويد مهتمّا بدراسة النفس وسبر أغوارها، بقدر ما أن حفيده مهجوس بالجسد.
وهناك حضور شبه دائم للكراسي في لوحاته. ويبدو أن اهتمامه بالكراسي
والأرائك يستمدّ مغزاه من قرب هذه الأشياء من اللحم الإنساني الذي يشكّل
لفرويد مصدر قلق وتفكير دائمين.
وعندما نتمعّن في لوحاته التي تصوّر
نساءً عاريات نكتشف أن لا علاقة لها بالجنس أو الإيروتيكية. فالجلد سميك
متغضّن والعظام نافرة والأطراف منهكة والأعين جامدة والوجوه حزينة وباردة.
وحضور
النساء في اللوحات يتسمّ بالغموض والتشظي، وملامحهن إجمالا لا تثير في
النفس سوى شعور بالتوتّر الذي لا يوصف وبالعزلة المتعبة وبالاستلاب المضني.
في
إحدى لوحاته القديمة، نرى امرأة شابّة بنظرات شاحبة وهي تمسك بقطّة صغيرة
من رقبتها. ورغم خلوّ تعابير المرأة من أي أثر للعدوانية أو العنف، فإن
المنظر يوحي كما لو أن المرأة توشك أن تقتل القطّة خنقا.
من أشهر لوحات
لوسيان فرويد هذا البورتريه الذي رسمه لنفسه في سنّ الرابعة والستّين، أي
عندما كان في ذروة نضجه الفنّي. واللوحة ليست “بورتريه” شخصّيا بالمعنى
المتعارف عليه، وإنما هي صورة الفنان كما تبدو منعكسة في مرآة، بحسب ما
يشير إليه العنوان.
تعابير الوجه هنا صارمة، والنظرات قاسية، قلقة،
ومتوتّرة مثل نمر متحفّز. إنه نفس أسلوب فرويد الذي يتّسم بالعنف والوحشية
والصدمة. ومن الملاحظ أنه استخدم في اللوحة ضربات فرشاة سميكة وسكب على
القماش طبقات كثيفة من الطلاء. ومن بين كتل الألوان الخام والمشبعة نلمح في
الوجه آثار رضوض وندوب، كأنما يعطي الإحساس بقسوة الحياة التي لا تني
تعاقبنا وتجعلنا نبدو عراة، مكشوفين، ضعفاء ووحيدين.
وفرويد يفعل هذا بواقعية شديدة وبمزاج مشبع بالوحدة والانقباض.
يقول
أحد أصدقائه إن من عادة فرويد أن يرتدي في محترفه ملابس تناسب مواضيع
صوره، وهو يباشر عمله في الرسم بزيّ جزّار مسلّح بالمناشير والفوط
والسكاكين.
ولا يبدو الفنان مهتمّا بإظهار الجمال في أعماله إلا بقدر ما
يرى في القبح والدمامة ضربا من الجمال. كما لا يعنيه أن يصوّر الجوانب
الإنسانية التي تعبّر عن السعادة والأمل والنبل والتفاؤل.
ويمكن القول
أن السمة الغالبة على لوحات فرويد هي كونها ذات مضامين سيكولوجية ووجودية،
وهو أمر يؤهله لأن يكون رسّاما “فرويديا” حتى النخاع.
فالكثير من لوحاته
مزعجة وتعطي شعورا بجدب الحياة ووحشتها وهشاشتها. وكلّ شخصية لها فضاؤها
الوجودي الخاص والمستقل. وليس هناك اتصال بين الشخصيات، إذ لا أحد ينظر إلى
الآخر مباشرة، ونادرا ما يعترف أحد بوجود الآخر. وفي غالب الأحيان تظهر
الشخصيات كما لو أنها مشدودة إلى أسفل بفعل قوّة خفيّة وغامضة.
ومن
الواضح أن فرويد يتعمّد دائما تصوير الغرف بحيث تخلو من أي أثر للتكنولوجيا
أو لوازم الحياة اليومية الأخرى، وكأنها – أي الغرف – فضاءات خاصّة
ومنعزلة توفر للشخوص فيها ملاذا مريحا وآمنا يحميها من فظائع وتعاسات
العالم الخارجي.
مما يجدر ذكره في الختام أن فرويد يقترب اليوم من عامه
السادس والثمانين. وهو أب لأربعين طفلا أنجبهم من علاقاته العابرة مع عدد
من النساء من بينهن بعض “موديلاته”. ومؤخّرا إبتاع مليونير روسي لوحته
المسمّاة “مديرة المتجر النائمة Benefits Supervisor “Sleeping والتي تصوّر امرأة بدينة عارية بمبلغ 34 مليون دولار أمريكي. كما بيعت لوحتة الأخرى “على خُطى سيزان After Cézanne ” بمبلغ ثمانية ملايين دولار.

[/b][/b]

إنعكـاس، بورتـريه شخـصـي
للفنان البريطاني لـوسيـان فـرويـد
بعض
النقاد يعتبرون لوسيان فرويد أعظم الرسّامين البريطانيين الأحياء. وفرويد
ينحدر من عائلة ألمانية يهودية عريقة. فجدّه هو الطبيب وعالم النفس الشهير
سيغموند فرويد. ووالدته تنتمي إلى أسرة من التجّار وأرباب الأعمال.
ولد
فرويد في برلين عام 1922م. وعندما جاء هتلر إلى الحكم أصبحت أوضاع اليهود
في ألمانيا لا تطاق. فقرّرت العائلة الهجرة إلى بريطانيا والإقامة فيها
نهائيا.
وأعمال لوسيان فرويد تكتسب أهمّية خاصّة لأنها مرتبطة بزمن
الحرب وبتبعات الحقبة النازية. ولوحاته تمتليء بصور لرجال ونساء عراة في
مواقف وأوضاع شتّى.
وقد قيل في إحدى المرّات أنه بقدر ما كان سيغموند
فرويد مهتمّا بدراسة النفس وسبر أغوارها، بقدر ما أن حفيده مهجوس بالجسد.
وهناك حضور شبه دائم للكراسي في لوحاته. ويبدو أن اهتمامه بالكراسي
والأرائك يستمدّ مغزاه من قرب هذه الأشياء من اللحم الإنساني الذي يشكّل
لفرويد مصدر قلق وتفكير دائمين.
وعندما نتمعّن في لوحاته التي تصوّر
نساءً عاريات نكتشف أن لا علاقة لها بالجنس أو الإيروتيكية. فالجلد سميك
متغضّن والعظام نافرة والأطراف منهكة والأعين جامدة والوجوه حزينة وباردة.
وحضور
النساء في اللوحات يتسمّ بالغموض والتشظي، وملامحهن إجمالا لا تثير في
النفس سوى شعور بالتوتّر الذي لا يوصف وبالعزلة المتعبة وبالاستلاب المضني.
في
إحدى لوحاته القديمة، نرى امرأة شابّة بنظرات شاحبة وهي تمسك بقطّة صغيرة
من رقبتها. ورغم خلوّ تعابير المرأة من أي أثر للعدوانية أو العنف، فإن
المنظر يوحي كما لو أن المرأة توشك أن تقتل القطّة خنقا.
من أشهر لوحات
لوسيان فرويد هذا البورتريه الذي رسمه لنفسه في سنّ الرابعة والستّين، أي
عندما كان في ذروة نضجه الفنّي. واللوحة ليست “بورتريه” شخصّيا بالمعنى
المتعارف عليه، وإنما هي صورة الفنان كما تبدو منعكسة في مرآة، بحسب ما
يشير إليه العنوان.
تعابير الوجه هنا صارمة، والنظرات قاسية، قلقة،
ومتوتّرة مثل نمر متحفّز. إنه نفس أسلوب فرويد الذي يتّسم بالعنف والوحشية
والصدمة. ومن الملاحظ أنه استخدم في اللوحة ضربات فرشاة سميكة وسكب على
القماش طبقات كثيفة من الطلاء. ومن بين كتل الألوان الخام والمشبعة نلمح في
الوجه آثار رضوض وندوب، كأنما يعطي الإحساس بقسوة الحياة التي لا تني
تعاقبنا وتجعلنا نبدو عراة، مكشوفين، ضعفاء ووحيدين.
وفرويد يفعل هذا بواقعية شديدة وبمزاج مشبع بالوحدة والانقباض.
يقول
أحد أصدقائه إن من عادة فرويد أن يرتدي في محترفه ملابس تناسب مواضيع
صوره، وهو يباشر عمله في الرسم بزيّ جزّار مسلّح بالمناشير والفوط
والسكاكين.
ولا يبدو الفنان مهتمّا بإظهار الجمال في أعماله إلا بقدر ما
يرى في القبح والدمامة ضربا من الجمال. كما لا يعنيه أن يصوّر الجوانب
الإنسانية التي تعبّر عن السعادة والأمل والنبل والتفاؤل.
ويمكن القول
أن السمة الغالبة على لوحات فرويد هي كونها ذات مضامين سيكولوجية ووجودية،
وهو أمر يؤهله لأن يكون رسّاما “فرويديا” حتى النخاع.
فالكثير من لوحاته
مزعجة وتعطي شعورا بجدب الحياة ووحشتها وهشاشتها. وكلّ شخصية لها فضاؤها
الوجودي الخاص والمستقل. وليس هناك اتصال بين الشخصيات، إذ لا أحد ينظر إلى
الآخر مباشرة، ونادرا ما يعترف أحد بوجود الآخر. وفي غالب الأحيان تظهر
الشخصيات كما لو أنها مشدودة إلى أسفل بفعل قوّة خفيّة وغامضة.
ومن
الواضح أن فرويد يتعمّد دائما تصوير الغرف بحيث تخلو من أي أثر للتكنولوجيا
أو لوازم الحياة اليومية الأخرى، وكأنها – أي الغرف – فضاءات خاصّة
ومنعزلة توفر للشخوص فيها ملاذا مريحا وآمنا يحميها من فظائع وتعاسات
العالم الخارجي.
مما يجدر ذكره في الختام أن فرويد يقترب اليوم من عامه
السادس والثمانين. وهو أب لأربعين طفلا أنجبهم من علاقاته العابرة مع عدد
من النساء من بينهن بعض “موديلاته”. ومؤخّرا إبتاع مليونير روسي لوحته
المسمّاة “مديرة المتجر النائمة Benefits Supervisor “Sleeping والتي تصوّر امرأة بدينة عارية بمبلغ 34 مليون دولار أمريكي. كما بيعت لوحتة الأخرى “على خُطى سيزان After Cézanne ” بمبلغ ثمانية ملايين دولار.



منظـر لـ ديـلـيـفـت
للفنان الهولنـدي يـوهـان فيـرميــر
لوحة
أخرى لـ فيرمير يعتبرها الكثير من النقاد ومؤرّخي الفن احد أفضل الأعمال
التشكيلية الغربية التي تصوّر طبيعة الحياة في مدينة بحرية.
بل أن الروائي الفرنسي مارسيل بروست يعتبرها أجمل لوحة وقعت عليها عيناه.
والمدينة التي اختارها فيرمير موضوعا لهذه اللوحة هي ديليفت ، مدينة الفنان التي ولد فيها وعاش وتوفّي.
وفي
العصور اللاحقة أصبح اسم هذه المدينة مرادفا لاسم هذا الفنان العظيم الذي
خلـّد في رسوماته الكثير من مظاهر الحياة اليومية فيها، ابتداءً من البيوت
ذات الديكورات الزخرفية المتوهّجة وانتهاءً بالوجـوه التي طالما أحبّها وألفها.
رسم فيرمير هذه اللوحة حوالي منتصف القرن السابع عشر، وهي الفترة التي شهدت ذروة ازدهار الفنون والثقافة في هولندا.
في
ذلك الوقت، كان فيرمير يعتبر ثاني أشهر رسّام هولندي بعد رمبراندت، وكان
رسم المدن تقليدا شائعا لدى عدد غير قليل من الرسّامين الهولنديين.
ومن
الواضح أن فيرمير بذل جهدا كبيرا في رسم اللوحة التي تشهد كل تفاصيلها
بقوّة ملاحظة الفنان وبراعته في الإمساك بتأثيرات الضوء والظل.
وهذا واضح من خلال طريقة تمثيل الغيم والانعكاسات المائية التي تضفي على المشهد إحساسا بالفورية والحيوية والتلقائية.
واللوحة
تزخر بالكثير من التفاصيل: بوّابتان إلى اليمين والوسط يتخللهما صفّ من
البيوت. هناك أيضا برجا الكنيستين القديمة والحديثة وبعض سفن الصيد الراسية
في مياه القنال. وفي الجزء الأمامي من اللوحة إلى اليسار، نرى عددا قليلا
من الرجال والنساء واقفين على الشاطئ.
جوّ اللوحة يعطي انطباعا بأن
فيرمير قد يكون رسم اللوحة في صباح يوم بارد. وتبدو الغيوم كما لو أنها
تنقشع ببطء بعد ليلة ممطرة، فيما الشمس ترسل وهجها اللامع على صفحة الماء
وأسطح البيوت الممتدّة على الشاطئ.
أكثر ما يلفت الانتباه في هذا المنظر
الأثيري البديع هو الأسلوب الواقعي الذي وظّفه فيرمير في رسمه. وربّما
لهذا السبب يعتبر بعض النقاد هذه اللوحة نموذجا ممتازا للوحة الوصفية التي
يمكن للإنسان أن يستمتع بالنظر إليها والتمعّن في جمالياتها دونما حاجة إلى
الكثير من الشرح أو التحليل.
وقد قيل في بعض الأوقات أن كثافة وعمق
الألوان في اللوحة والتأثيرات البصرية المبهرة التي استخدمت في رسمها تجعل
من عملية استنساخها أو تقليدها أمرا شبه مستحيل.
“منظر لـ ديليفت” ليست
مجرّد لوحة عن الحياة في مدينة بحرية وإنما يمكن اعتبارها معلما يجسّد روح
وشخصية هذه المدينة وسجّلا يؤرّخ لأسلوب وشكل الحياة الذي كان سائدا فيها
قبل أربعة قرون.
ممّا يجدر ذكره أن فيرمير مات فقيرا معدما، وبعد وفاته ضاع اسمه في غياهب النسيان، وطوال مائتي عام لم يعد احد يتذكّره بشيء.
وقد اضطرّت أرملته بعد وفاته لبيع لوحاته كي تعتاش من ثمنها.
لكن
مع حلول منتصف القرن التاسع عشر عاد اسمه إلى الواجهة مجدّدا. واليوم
يُنظر إلى فيرمير باعتباره احد أعظم الرسّامين، ليس في بلده هولندا فحسب
وإنما في العالم كله.

اللوحة الفنية : جمال روسي للرسام الروسي الكسي هارلاموف جمـال روســي للفنان الروسـي ألكسـي هـارلامــوف قد لا يكون الكسي هارلاموف اسما متداولا كثيرا في أوساط الفن التشكيلي العالمي، لكن لوحاته تدلّ على انه كان رسّاما مبدعا ومتميّزا. وكان الفنان قد حقّق نجاحا كبيرا في بلده روسيا حيث رسم بورتريهات للعديد من أفراد الطبقة الارستقراطية فيها. وكان الاتجاه السائد الذي غلب على أعمال الفنانين الروس في تلك الفترة هو رسم المواضيع الدينية وتصوير السفن والحياة البحرية بشكل عام. لم يمكث هارلاموف طويلا في مدينته بيترسبيرغ، إذ دائما ما كانت تحدوه الرغبة في السفر والتعرّف على تجارب فنّية جديدة. لذا هاجر إلى فرنسا، وهناك اتّسعت تجربته ونمت موهبته الفنّية أكثر وحقّق المزيد من النجاح والشهرة. ولوحات هذا الفنان تذكّرنا إلى حدّ ما بأسلوب رينوار من حيث طريقته في استخدام الألوان والظلال، وإن كان يغلب على أسلوبه الطابع النيوكلاسيكي والواقعي. في هذه اللوحة الجميلة استخدم هارلاموف ابنته كموديل، وهو كثيرا ما رسم ابنته في العديد من البورتريهات بأوضاع مختلفة. وهي هنا تظهر في حالة تأمّل وعزلة. ومن الواضح أن الفنان لم يكن يرسم اللوحة اعتمادا على ضربات الفرشاة فحسب، بل كان يرسمها بقلبه ومشاعره، لذا استطاع أن ينفذ إلى روح الشخصية وان يترجم مشاعرها بأعلى درجات الصدق والعفوية. ومما يلفت الانتباه أيضا في اللوحة تعابير الطيبة والبراءة التي تنطق بها ملامح الفتاة وعيناها، وهي سمة نجدها في أعمال الفنان الأخرى التي تستمدّ أجواءها من الحياة الريفية وبيئة الفلاحين التي تتّسم بالبساطة والتلقائية. أيضا هناك الألوان الحيّة والمتناغمة التي تمتلئ بها اللوحة، ثم هذا التباين الرائع بين غطاء الرأس الأحمر والفستان الأبيض والخلفية التي اختار لها اللون البنّي وتدرّجاته. وطبعا لا يمكن للناظر إلا أن يجذب اهتمامه ذلك العقد الجميل من اللؤلؤ الذي يزيّن جيد الفتاة بألوانه الناعمة الشفّافة والمتناغمة مع البناء التشكيلي العام للوحة. في بداياته كان هارلاموف يقلد أعمال كبار الرسامين وقد تأثّر على نحو خاص بأسلوب رمبراندت. وعندما قدم إلى فرنسا عرض بعض أعماله في صالون باريس وحصل على أكثر من جائزة. كما حظي بإعجاب الروائي إميل زولا الذي أثنى عليه وامتدح أسلوبه في رسم البورتريه. رسم هارلاموف العديد من اللوحات لسيّدات وشابّات جميلات تظهر على وجوههن تعابير الدفء والحنين والبراءة والرّقة. ومثل رينوار، كان يستخدم الزهور بكثرة في لوحاته للتأكيد على رقّة الموضوع وليرمز بها إلى مرحلة الشباب التي لا تدوم طويلا بل تذبل سريعا مثلما تذبل الأزهار. جامعو التحف واللوحات الفنية من أثرياء أمريكا وأوربّا كانت تروق لهم لوحات هارلاموف وكانوا يهتّمون باقتناء وشراء أعماله التي تجسّد الروح العائلية وتعطي إحساسا بالبراءة والسلام الداخلي. ويتوزّع العديد من لوحاته اليوم على متاحف العالم الكبيرة من لوس انجيليس إلى سانت بيترسبيرغ وحتى موسكو وتايوان. وقد استمرّ هارلاموف يرسم إلى أن توفّي عام 1922 عن عمر جاوز الثمانين.

اللوحة الفنية الساحرة : جان دارك للرسام الفرنسي جول باستيان ليباج


جــــــان دارك
للفنّان الفرنسي جول باستيان ليباج
كانت
جان دارك فتاة ريفية بسيطة وغير متعلّمة. لكن لأنها تأثّرت بوالدتها فقد
نشأت كاثوليكية متديّنة، وكانت تصرف الساعات الطوال في التجوال في الغابات
والحقول لوحدها مصلّية متأمّلة.
وفجأة وقع حادث غيّر مسار حياتها رأسا على عقب، وتمثل في غزو انجلترا لأراضي فرنسا خلال ما عُرف بحرب المائة عام.
في ذلك الوقت كانت هناك نبوءة راجت بين الفرنسيين مفادها أن فرنسا ستُحتلّ بسبب امرأة وستتحرّر على يد امرأة.
تقول
بعض المصادر التاريخية إن جان دارك كانت مستبصرة، أي أنها كانت تتوقّع
الأحداث المستقبلية قبل وقوعها بفضل الأصوات التي كانت تسمعها والرؤى التي
كانت تراها.
وفي أحد الأيام أخبرت والدها أنها رأت نورا آتيا من السماء مصحوبا بأصوات تخبرها بأن تحرير البلاد سيكون على يديها.
وتكرّرت الرؤيا مرارا وصارت جان دارك تتحدّث عن قدّيسين وقدّيسات يظهرن لها في الحقول والغابات.
ولما كان الناس آنذاك ميّالين لتصديق مثل هذه القصص، فقد اعتبروا ما روته لهم جان دارك معجزة إلهية.
في
هذه اللوحة نرى جان دارك تتجوّل في حديقة منزلها حيث كانت تمارس الصلاة
والتأمّل مصغية إلى الأصوات العلوية، فيما تظهر وراءها بين الأشجار أطياف
وظلال لقدّيسين وملائكة ينقلون إليها تعاليم السماء وندبها لها بأن تتولّى
تلك المهمّة الخطيرة.
مع مرور الأيام، تعلّمت جان دارك فنون القتال وفي
مرحلة لاحقة تمكّنت من الاتصال بالملك شارل، فعهد إليها بقيادة الجند الذين
استطاعت كسب ثقتهم وأقنعتهم بأن النصر قادم على يديها بمؤازرة الملائكة
والقوى الغيبية.
لكن الانجليز لم يطمئنوا لتصرّفات المرأة وظنّوا أنها
ساحرة، ومما زاد في انزعاجهم تزايد حظوظها عند الناس وتقديسهم لها وتصديقهم
لدعاواها.
وفي ابريل من عام 1429 سيّرت جان دارك جيشا باتجاه اورلينز فحرّرتها وتمكّنت من طرد الانجليز منها.
وتكرّست أكثر فأكثر صورة المرأة في أذهان العامّة الذين أصبحوا ينظرون إليها باعتبارها منقذا ومخلصا أرسله الله إليهم.
لكن في السنة التالية وقعت جان دارك في اسر الانجليز ولم يفعل الملك شيئا من اجل إنقاذ حياتها بسبب ضعفه وتخاذله.
وقدّمت للمحاكمة في نفس العام بتهمة السحر والهرطقة وأعدمت حرقا عام 1431 بعد مصادقة الكنيسة الانجليزية على الحكم.
من
بين ما يجذب العين في هذه اللوحة الجميلة تفاصيلها الكثيرة وتناغم الألوان
فيها. ومن الواضح أن الرسّام قام بصهر الألوان وإذابتها في مقدّمة وخلفية
المشهد من خلال استخدام طبقات متعدّدة من الألوان والظلال من اجل إعطاء
الناظر إحساسا حقيقيا بسحر الطبيعة ولتكثيف الجوّ الواقعي للقصّة والتأكيد
على حضور العناصر الدينية والروحية والميتافيزيقية في المشهد.
ثم هناك
بساطة هيئة المرأة، فملابسها عادية جدا: تنّورة بنية طويلة وقميص ازرق غامق
وياقة بيضاء. وهذه التفاصيل تشي ببيئتها الزراعية وبالطبقة الفقيرة التي
أتت منها.
ومما يلفت الاهتمام أيضا في هذه اللوحة عينا المرأة اللتان تشعّان بالثقة الممزوجة بالحزن على ما آل إليه مصير بلدها.
بعد مرور ربع قرن على إعدام جان دارك، طالبت عائلتها بإعادة محاكمتها وثبتت براءتها من التهم التي نُسبت لها.
وفي
القرون اللاحقة تحوّلت هذه المرأة إلى أسطورة وأصبحت سيرة حياتها موضوعا
خصبا للفنّانين والشعراء والروائيين والموسيقيين. كما ظهرت العديد من
الأفلام السينمائية التي تتحدّث عنها وعن بطولاتها.
أما باستيان ليباج فلا يُعرف عنه الكثير، باستثناء انه توفّي وعمره لا يتعدّى السابعة والثلاثين.
وفيما عدا هذه اللوحة لا يكاد يتذكّره اليوم أحد.

رقص في كولومبيا ..لوحة فنية للرسام العالمي فرناندو بوتيرو


رقـص فـي كولـومبــيا
للفنـّان الكولـومبـي فرنانـدو بوتيـرو
لوحات
بوتيرو تذكّر إلى حدّ كبير بروايات مواطنه الأشهر غابرييل غارسيا ماركيز
التي يمتزج فيها الواقع بالخيال وتحتشد بقصص السحر والأساطير الشائعة بكثرة
في ثقافات أمريكا اللاتينية.
ويمكن بسهولة التعرّف على لوحات ومنحوتات
بوتيرو بسبب المبالغة التي يستخدمها في تمثيل أعضاء شخوصه والطابع
الكاريكاتيري الذي يغلب على لوحاته حيث الأشكال الدائرية والأعضاء
المنتفخة.
ولد بوتيرو في العام 1932 في مدينة ميديين التي ما يزال طابع
فنّ الباروك غالبا على كنائسها. وفي مرحلة تالية سافر إلى أوربّا ليدرس
أعمال كبار الرسّامين. وقد تلقى في مدريد دروسا في أكاديمية الفن وأنجز
أعمالا تترسّم خطى فاليسكيز وغويا. كما ذهب إلى إيطاليا ليدرس أساليب
فنّانيها العظام.
في هذه اللوحة يصوّر بوتيرو مشهدا من مقهى ليلي تحتشد أجواؤه بالموسيقى والرقص.
وهناك سبعة موسيقيين ضخام بالإضافة إلى راقصين اصغر قليلا. وعلى الأرض تناثرت حبّات من الفاكهة.
وكما في معظم لوحات بوتيرو، يبدو الأشخاص هنا كما لو أنهم يتأهّبون لالتقاط الصور..
والكثير من مواضيع لوحات بوتيرو عبارة عن ترجمة لقصص وأساطير اختزنها عقله منذ الطفولة.
إن
الفنان يحتفي بالحياة على طريقته الخاصة. لكن خلف روح الهزل والسخرية التي
تطبع رسوماته، ثمّة دائما فكرة سياسية أو مضمون فلسفي أو اجتماعي ما.
في العديد من لوحات بوتيرو نرى صورا لرؤساء وجنود ورجال دين. وهو كثيرا ما ينتقد العسكر والبورجوازيين ورموز السلطة.
ويلاحظ حضور العناصر الكولومبية بقوة في لوحات بوتيرو، خاصة العلم وألوانه المتعددة.
وقد حوّل بوتيرو بعض لوحاته إلى أعمال نحتية ضخمة يمكن رؤية بعضها في ميادين العديد من عواصم العالم.
في
بدايات عام 2004 تبرّع بوتيرو بمجموعة من عشرين لوحة صوّر فيها جوانب
مختلفة من العنف الطويل الذي شهدته بلاده، وأهدى تلك الرسومات إلى متحف
كولومبيا الوطني.
ومؤخّرا رسم بوتيرو خمسين لوحة أخرى كرّسها لأحداث سجن أبو غريب وقد عبّر الفنان في تلك الرسومات عن شعوره بالصدمة والغضب جرّاء تعذيب السجناء هناك وانتهاك حقوقهم.

آكلو البطاطس لوحة فنية عالمية للفنان الهولندي العالمي فان كوخ


Vincent van Gogh, The Potato Eaters, 1885آكـلــو البطـاطـــــس
للفنان الهولندي فنسنـت فــان غــوخ
هذه
اللوحة ربّما تنتمي إلى ذلك النوع من اللوحات التي لا تنجذب لها العين
بسهولة، فجوّها يبعث على الكآبة وملامح شخوصها قاسية بل ودميمة إلى حدّ ما.
وبالنسبة لفان غوخ نفسه، لم تكن الحياة جميلة ولا سهلة، إذ كان يرى الكثير
من العيوب ومظاهر الدّمامة من حوله، وقد أظهر بعض تلك العيوب في لوحاته.
كان
فان غوخ يشعر بالتعاطف مع أصحاب المهن الدنيا والبسيطة كالصُنّاع
والفلاحين. وكان هو نفسه يعيش آنذاك حياة الكفاف إذ كان يسكن بيتا قديما
وينام على سرير مهلهل ويجاهد في أن يعيش حياته يوما بيوم. في هذه اللوحة
رسم فان غوخ عائلة من الفلاحين يجلس أفرادها حول مائدة ويأكلون البطاطس على
ضوء مصباح شاحب.
وقد حرص الفنّان على أن يرسم ملامحهم بهذا الشكل ليعكس من خلاله طبيعة حياتهم وواقعهم البائس.
وأكثر
ما يجذب الانتباه في تفاصيل هذه اللوحة مصباح الزيت المعلّق في السقف
والطريقة البارعة التي وزّع بها الفنان الضوء في زوايا وأرجاء الغرفة.
ثم هناك المرأة التي تصبّ القهوة ومنظر الطاولة بأطرافها المهترئة والمتآكلة.
وهناك
أيضا صحن البطاطس الكبير والأصابع الممتدّة نحوه والتي تبدو كالعظام لفرط
هزالها وضعفها. إنها – من وجهة نظر فان غوخ – نفس الأصابع العارية التي
يحفر بها هؤلاء الفلاحون البسطاء أرضهم ليكسبوا لقمة عيشهم بجدّ وتعب
وأمانة.
في بدايات حياته، كان فان غوخ
يتطلّع لان يرسم لوحة متفرّدة تدفع به إلى الواجهة وتكون شاهدا على موهبته
في أعين النقّاد وعند عامّة الناس.
ولم
يمضِ وقت طويل حتى ظهرت هذه اللوحة التي يعتبرها النقّاد اليوم واحدةً من
أعظم لوحات فان غوخ، رغم أن اللوحة لم تحقّق ذلك النجاح الكبير خلال حياته.
اللوحة الفنية العالمية : إمرأة تقرأ كتاباً للرسام الفرنسي فراغونار


إمــرأة تقــرأ كتــابا
للفنان الفرنسي جان اونوريه فراغونار

يحدث
أحيانا أن ينجذب أحدنا إلى لوحة ما ويشعر بمتعة النظر إليها والتمعّن في
تفاصيلها مرّة بعد أخرى، دون أن يعرف على وجه التحديد ما الذي يشدّه إليها
أو يعجبه فيها.
هذا الكلام ينطبق إلى حدّ كبير على هذه اللوحة الرائعة
التي تنطق جميع تفاصيلها بالإبداع المبذول في إنجازها والرّقة التي تعامل
بها الفنان وهو يرسم خيوطها الدقيقة وألوانها الناعمة والبديعة.
يصنّف جان اونوريه فراغونار باعتباره أشهر رسّام شاعري فرنسي خلال القرن الثامن عشر.
كان غزير الإنتاج إذ رسم أكثر من خمسمائة لوحة تناولت مواضيع عديدة ومتنوّعة.
وفي
بدايات احترافه للرسم تتلمذ فراغونار على يد فرانسوا بوشير ثم سافر إلى
ايطاليا ومكث فيها أربع سنوات قلّد أثناءها لوحات كبار فنّاني الباروك ورسم
مناظر للطبيعة والريف الايطالي.
قضى الفنان الجزء الأكبر من حياته خلال
ما عرف بالفترة النيو كلاسيكية، لكنه مع ذلك ظلّ يرسم بأسلوب الروكوكو إلى
ما قبيل اندلاع الثورة الفرنسية.
وما لبث أن أبدى اهتماما خاصّا برسم المناظر المنزلية المستوحاة من فلسفة جان جاك روسو الأخلاقية ومن بعض الروايات العاطفية.
وقد كان فراغونار بارعا مثل أستاذه بوشيه في رسم وجوه وأجساد لنساء شابّات رغم انه كان يهتم أكثر بإظهار انفعالاتهن ومشاعرهن.
هذه
اللوحة تعتبر واحدة من أشهر اعمال فراغونار، وبعض نقاد الفن يعتبرونها
أفضل عمل تشكيلي يصوّر فكرة المرأة القارئة. وفيها نرى امرأة شابة وهي
منهمكة بوقار في قراءة كتاب.
وأوّل ما يمكن ملاحظته في هذه اللوحة هو
التوازن الجميل بين عناصرها الرئيسية: الكتاب ويد المرأة ووضعية رأسها
وانبساط جسدها المستند إلى الأريكة.
وبالإمكان أيضا أن نلمح هنا شيئا من
سحر رينـوار وأسلوبه المتفرّد، خاصة في توزيع الإضاءة واستخدام ضربات
فرشاة سريعة وعريضة مع ألوان مذابة قوامها الليلكي والزعفراني والأبيض
والزهري وتدرّجاتها المختلفة.
مما يلفت الانتباه أيضا في اللوحة الأسلوب
البارع الذي اتبعه الفنان في رسم أصابع يد المرأة الممسكة بالكتاب وفي
تمثيل الياقة العريضة والانثناءات والالتواءات التي تتخلل ثوب المرأة نزولا
إلى الرداء الذي تجلس عليه.
كان فراغونار نفسه رجلا مثقفا ومحبّا للقراءة، وله العديد من اللوحات التي صوّر فيها قتيات ونساءا في لحظات عزلة وتأمّل صامت.
كما رسم سلسلة لوحات أخرى أطلق عليها اسم اللوحات الفانتازية ضمّنها رؤيته عن الموسيقى والفنون والشعر.
قضى
فراغونار السنوات الأخيرة من حياته في حال من النسيان والفقر والعزلة ومات
وحيدا عام 1806 دون أن تثير وفاته انتباه احد من زملائه أو مريديه. ويضمّ
متحف اللوفر اليوم خمسا من أهم لوحاته فيما تستقرّ لوحته الشهيرة الأخرى الأرجوحة في متحف المتروبوليتان بنيويورك.



الأمــــل
للفنان البريطاني جـورج فريدريـك واتـس



قد
لا تصنّف هذه اللوحة ضمن الأعمال الفنّية التي تثير الفرح أو تبعث على
البهجة والارتياح، لكنها مع ذلك تحمل فكرة إنسانية عظيمة وتثير أجمل وأنبل
ما في النفس الإنسانية من مشاعر وأحاسيس.
عندما أتمّ جورج واتس رسم
اللوحة منذ أكثر من مائة عام، سرعان ما وجدت طريقها إلى كلّ بيت وأصبحت
حديث الناس والنقاد، على السواء، في بريطانيا.
وبالنظر إلى مضمونها
العاطفي والإنساني العميق، فقد انتشرت اللوحة حول العالم واستنسخت مرارا
وتكرارا وظهرت العديد من قصائد الشعر التي تستمدّ من مضمون اللوحة موضوعا
لها.
العنوان قد لا يدلّ على جوّ اللوحة، إذ نرى امرأة معصوبة العينين
وحافية القدمين وهي تجلس في وضع انحناء فوق ما يبدو وكأنه مجسّم للأرض
بينما راحت تعزف على آخر وتر تبقّى في قيثار مكسور.
تعابير وجه المرأة غامضة إلى حدّ ما، بينما يغرق المشهد كله في موجات مهتزّة من اللازوردي والأصفر بتدرّجاتهما المشعّة.
بعض
النقاد يرون أن اللوحة تعبّر في الواقع عن اليأس وتثير إحساسا بالحزن،
بينما يرى آخرون أنها تعبّر عن تمسّك الإنسان بالأمل ورفضه الاستسلام
لليأس. فالمرأة مستمرّة في العزف حتى بعد أن لم يتبقّ في قيثارتها سوى وتر
وحيد.
واتس كان احد أعظم الفنانين الذين ظهروا خلال العصر الفيكتوري، وكان للوحاته مضامين رمزية؛ أخلاقية وفلسفية وروحية.
في
ذلك العصر كان الفنانون والأدباء والشعراء مفتونين بالموسيقى وعناصر
الجمال المختلفة. ومثل معظم معاصريه، كان واتس منشدّا إلى فكرة الموت، إذ
كان يرى فيه مفسّرا للحياة وامتدادا لها.
وربّما لهذا السبب، تروق
لوحاته كثيرا للمتديّنين وللفئات الاجتماعية المحرومة، بالنظر إلى طبيعتها
الروحية التي تضفي على مشاعر الحزن والألم واليأس طابعا من الجمال والنبل
والقداسة.
كان واتس يرسم الأفكار لا الأشياء، وكثيرا ما كان يحيط شخوص لوحاته بأجواء ضبابية أو غائمة للإيحاء بأنها انعكاس لأفكار ورؤى معيّنة.
وكان يعتقد دائما أن باستطاعة الفن أن يعبّر عن قوّة الحياة وإرادة الإنسان.
وفي
الوقت الذي كان معاصروه يميلون إلى تصوير الأمل والمعاناة والحزن والحياة
والموت على هيئة نساء إغريقيات يرتدين ملابس طويلة وشفّافة، كان واتس يجد
كل هذه المعاني والظواهر داخل نفسه ويعبّر عنها بمناظره التي يرسمها
اعتمادا على معرفته وخبراته الذاتية وميله للتأمّل والنزوع الفلسفي.
والذي
يتملّى البناء الفنّي لهذا اللوحة المتميّزة لا بدّ وأن ينصرف تفكيره إلى
لوحة بيكاسو الشهيرة عازف الغيتار العجوز، التي تصوّر عجوزا أعمى يعزف على
غيتاره بلا اهتمام.
وهناك من المؤرّخين والنقاد من ذهبوا إلى أن لوحة
واتس، الموجودة اليوم في متحف تيت البريطاني، تتضمّن صورة سياسية مجازية،
وأن المرأة ليست في الحقيقة سوى رمز لبريطانيا التي فتحت العالم وبلغت أوج
مجدها وانتصاراتها خلال حكم الملكة فيكتوريا.
لكن ذلك كله لم يجلب السلام ولم يحقّق للناس السعادة وراحة البال التي كانوا يتطلعون إليها في ذلك الوقت.